lunes, 29 de octubre de 2012

Inicios del DC Comics


Universidad Alfonso Reyes

Lic. Diseño Grafico

Computación

Lucero Alejandra Martínez Hernández

Lic. Raúl Suarez



Inicios de DC comics
DC Comics es una editorial estadounidense dedicada a la realización y venta de comics fundada en 1934 con el nombre de National Allied Publications para luego tomar DC Comics en 1937. Las iniciales CD son una abreviatura de Detective Comics, uno de los primeros títulos emblemáticos de la compañía. Recientemente ha sido adquirida como empresa subsidiaria de AOL-Time Warner.
Se trata de una de las mayores compañías de cómics a nivel mundial. Entre algunos de sus títulos más conocidos se encuentran Superman, Batman, la Mujer Maravilla, la Liga de la Justicia, Flash y Linterna Verde. Durante décadas DC Comics ha sido una de las dos mayores compañías de cómics en Estados Unidos, siendo la otra Marvel Comics. Su sede se encuentra en Nueva York.
Historia
DC Comics surgió de la unión de tres compañías: National Allied Publications, Detective Comics, y All-American Publications. Las dos primeras se fusionaron a finales de los años 1930 para convertirse en National Comics mientras que la tercera compartía parte de las oficinas hasta que fue comprada por la primera en 1945. En esta época “DC” era simplemente un logotipo informal utilizado regularmente en las cubiertas de sus publicaciones.
La Edad de Oro (1930-1949)
Action Comics inició las publicaciones de superhéroes en 1938. El éxito fue extraordinario y surgieron historias de personajes como Superman, Batman, Mujer Maravilla e incluso el primer equipo de superhéroes: la Sociedad de la Justicia de América. A finales de la década del 40 los superhéroes empezaron a decaer y la compañía intentó centrarse en otros géneros como la ciencia ficción, los westerns, el humo e incluso el cómic romántico. DC se mantenía al margen de algunas de las tendencias más importantes del mercado de cómics de la época: las historias de crimen y horror. Cuando estas historias se convirtieron en impopulares en los 50, DC no tuvo los mismos problemas que otras editoriales que habían explotado estas líneas editoriales. Durante todo este período DC siguió publicando algunos títulos de superhéroes, en particular: Action Comics y Detective Comics, las dos publicaciones regulares de cómics mas larga de la historia.
La Edad de Plata (1950-1965)
Bajo la dirección editorial de Julius Schwartz a finales de los 50 la compañía inició un rebote de la industria del cómic conocida como la Edad de Plata del Comic con el retorno de personajes antiguos como Flash en una versión moderna y adaptada a los tiempos modernos. Pronto surgieron títulos como Green Lantern, Hawkman, Atom y otros personajes secundarios como Captain Forni, compartiendo un punto de vista cercano a la ciencia ficción. El equipo de superhéroes fue revitalizado en esta ocasión con el nombre de la Liga de la Justicia de América.  Los cómics eran muy populares y DC disfrutaba de una posición prominente en el mercado.
Sin embargo, a comienzos de de los 60,  Marvel Comics, una editorial minoritaria anteriormente, estaba empezando a hacerse con una parte importante del mercado del cómic con un equipo creativo formado por Stan Lee, Jack Kirby o Steve Ditko. DC reaccionó despacio al éxito de Marvel , que se basaba e personajes más complejos, con una mayor continuidad en sus historias. DC comenzó a ganar reputación de estilo anticuado y simplista, Gracias a artistas que habían salido de Marvel como Steve Ditko o a nuevos autores como Neal Adams, DC se fue aproximando cada vez más a este enfoque más moderno del cómic de superhéroes.

Finales de los 60s y comienzos de los 70s

A finales de los 60 muchos de los artistas más veteranos de DC se estaban retirando y muchos estaban solicitando mejoras en sus planes de salud y planes de pensiones. En un movimiento sin precedentes DC despidió a la mayoría del personal de mayor edad sustituyéndoles por artistas jóvenes, muchos de los cuales habían crecido bajo la influencia de los cómics Marvel. Por un lado los nuevos empleados desarrollaron nuevos y más complejos personajes con historias más ricas y sofisticadas pero por otro su falta relativa de experiencia y profesionalidad no conseguía desarrollar un producto de elevada calidad.

El Barroco


Universidad Alfonso Reyes


Lic. Diseño Grafico



Historia del Arte


Lucero Alejandra Martínez Hernández

Barroco

El barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la Iglesia católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma Protestante.
Como el estilo artístico el baroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradio hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo el término barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que posteriormente fue revalorizado a fines del siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio d’Ors.

La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes del siglo XVII y principios del siglo XVIII, es decir, los artistas que plasmaban dicho estilo. Proviene de la palabra portuguesa “barroco” que en español significa “barrueco” que quiere decir “perla de forma irregular”, o “joya falsa”.
El termino barroco fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración. Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Wolfflin, quien identifico al Barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte elaborado.
El barroco como movimiento cultural
El barroco realmente expreso nuevos valores, en literaria es abundante el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento, aun cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países. La fantasía y la imaginación fueron evocados en el espectador, en el lector, en el oyente. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El arte de hace entonces menos distante de las personas, solucionando el vació cultural que solía guardar.

La arquitectura
La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta los tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. El barroco se da también en otras artes, como Música, Literatura, Pintura y Escultura. El interés que sustenta la arquitectura es el de hacer marketing y urbanizar. Juega un papel muy importante, un ejemplo de ello, sin irnos tan lejos, la plaza Mayor de Madrid. Sigue una armonía y su monumentalidad crea un ambiente propicio de una ciudad rica, justamente la pretensión de los artistas barrocos. Hace falta aclarar que el paradigma de este estilo se halla en la megalomanía de Luis XVI, con las reconstrucciones de Versalles.
Los materiales propicios de construcción en la arquitectura barroca son los materiales pobres sin ningún valor así viendo la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poco con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de calidad como el vidrio de carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros. Los elementos constructivos no presentan ninguna novedad, ya que siguen los órdenes clásicos del Renacimiento; la diferencia es que en el Barroco se contraponen elementos arquitectónicos utilizándolos con cierta libertad e individualidad. No se pierde la armonía si no la perspectiva renacentista, que abarca el espacio del espectador. La grandiosidad es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada es la Plaza de San Pedro. De hecho al situarse justamente en la entrada de la plaza se puede observar la altitud del obelisco, pero al adentrarse en dirección a la basílica de San Pedro aparecen las inesperadas columnatas que rosean el perímetro de la Plaza. Los arcos se utilizaban de formas variadas y las cúpulas son el elemento por excelencia del arte Barroco.
Pintura
Durante el barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda de realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

El diseño grafico y la revolución industrial


Universidad Alfonso Reyes

Lic. Diseño Grafico

Historia del Diseño Grafico

Lucero Alejandra Martínez Hernández

Lic. Mario Ramírez



El Diseño Grafico y La Revolución Industrial.

La revolución industria se produjo en Inglaterra entre 1760 y 1840 fue un proceso de cambios sociales y económicos, la energía fue el impulso más importante para esta trasformación, James Watt perfeccionó el motor de vapor (1780), El capitalismo sustituyó al terrateniente, esto creo aun mayor demanda en las fabricas: El diseño gráfico desempeñó un papel importante en la comercialización de lo que producía las fabricas, Se estaba perdiendo   el interés por los valores humanistas y se preocupaban por los bienes materiales, Las comunicaciones gráficas se volvieron más importantes, la tecnología redujo el coste por unidad e incrementó la producción del material impreso así es como nació la era de la comunicación en masas, durante el siglo XIX se fracturaron las comunicaciones gráficas en un componente de diseño y otro de producción pues se encontraban directamente relacionados, la fotografía y los medios de impresión expandieron el sentido de documentación visual y la información gráfica, las nuevas tecnologías permitieron nuevas formas y funciones de diseño gráfico, Este fue un periodo inventivo para el diseño de nuevas tipografías,   categorías nuevas como las egipcias y las de palo seco asta estilos imaginativos y extravagantes.
La economía basada en el trabajo manual fue reemplazada por otra dominada por la industria y la manufactura. La Industria comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el desarrollo de los procesos de hierro. Las innovaciones tecnológicas más importantes fueron la maquina de vapor y la denominada Spinning Jenny, una potente maquina relacionada con la industria textil. Estas nuevas máquinas favorecieron enormes incrementos en la capacidad de producción.
Asi es que en la Revolución industrial se aumenta la cantidad de productos y se disminuye el tiempo en el que estos se realizan, dando paso a la producción en serie, ya que se simplifican tareas complejas en varias operaciones simples que pueda realizar cualquier obrero sin necesidad de que sea a mano de obra cualificada, y de ese modo disminuir costos de producción y elevar la cantidad de unidades producidas bajo el mismo costo fijo.
La Revolución industrial no hubiera podido prosperar sin el concurso y el desarrollo de los transportes, que llevarán las mercancías producidas en la fábrica hasta los mercados donde se consumían.


Las innovaciones en las tipografías

La comunicación tipográfica como su principal función era difundir información a través de libros y pliegos impresos este ritmo provocó una rápida expansión de las imprentas, se pedía más impacto visual, más características expresivas y la tipografía de libros no satisfacía pues esta había evolucionado lentamente desde la letra manuscrita, No bastaba con las 26 letras les alfabetos es como empezaron a   interactuar como símbolos fonéticos se transformaron en formas visuales abstractas
.
Las necesidades masivas de comunicación de una creciente sociedad urbana e industrializada produjeron la expansión de imprentas comerciales, anuncios y carteles. La tipografía ya no era usada solo para textos, por lo que se  necesito una clase diferente de carácter, tangible y expresivo, y de mayor tamaño e impacto visual para poder leerse a distancia. La era industrial requería que las letras del alfabeto se transformaran en formas visuales abstractas, se producen rediseños de tipografías basados en las Romanas clásicas.
Hubo tres innovaciones importantes: Clarendon, Toscanas y San Serif

Litografía
Técnica inventada por Aloys Senefelder en 1796. El proceso consiste en grabar con instrumentos grasos sobre placas planas de piedra, al ser una técnica mas libre, presentó mas posibilidades que la imprenta tipográfica. El 1800 comenzaron a experimentar con litografías multicolor. El 1846 Richard Hoe perfecciono la prensa litográfica, usando placas curvas metálicas en ves de piedra.

Fotografía
Surge en 1826, de la mano de Niepce. La primera fotografía existente es una placa delgada de peltre que Niepce expuso durante todo el día.
Daguerre y Talbot fueron perfeccionando poco a poco la técnica.
Fotograbado: se trabaja utilizando ácidos sobre una plancha metálica donde se ha producido la tipografía, esa técnica se aplicó en la producción periodística y de libros.

viernes, 22 de junio de 2012

ensayo de figura humana



                          
Universidad Alfonso Reyes

Dibujo de la Figura Humana

Leidy Ana López Villanueva
F3072

Lucero Alejandra Martínez Hernández
                  22 de junio del 2012




CAMPO LABORAL EN EL ÁREA DE DISEÑO GRÁFICO
El diseño grafico es mucho más que crear piezas atractivas. Es pensamiento creativo hecho concepto, estrategia y mensaje visual.
Es una profesión cuya actividad de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales determinados. Esta es la actividad que posibilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos.
También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entiendes que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, u no solo impresos.
Debido al crecimiento veloz y masivo en el intercambio de información, la demanda de diseñadores gráficos es mayor que nunca, particularmente a causa del desarrollo de nuevas tecnologías y de la necesidad de prestar atención a los factores humanos que escapan a la competencia de los ingenieros que las desarrollan.
Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética u el llamado diseño multimedia, entre otros.

Esta en afiches, televisión, ropa, zapatillas, libros, empaques e infinidad de productos en los que emplearas toda tu creatividad para encontrar soluciones de comunicación visual.
El diseñador grafico resuelve problemas de comunicación visual de manera grafica e incorpora las últimas tecnologías digitales para aplicarlas en medios impresos, digitales, audiovisuales, tradicionales y alternativos, con creatividad, un alto sentido crítico y de responsabilidad social.
Podrás trabajar en agencias de publicidad, estudios de diseño, talleres gráficos, imprentas, empresas editoriales, consultoras de imagen, medios de comunicación, proyectos independientes, estudio propio, entre otros.
Es capaz de:
·         Diseñar campañas publicitarias, libros, logotipos, memorias, empaques, displays, folletos de identidad corporativa, etc.
·         Definir la grafica, la estrategia y los soportes adecuados para el logro de los objetivos de comunicación visual de cada proyecto.
·         Comunicar visualmente aplicando los fundamentos del diseño y el color en cada pieza que produce.
·         Dominar los programas de diseño grafico más avanzados y las técnicas de ilustración manual.
·         Dirigir la impresión y post producción, seleccionando los procesos, recursos y materiales adecuados.


HISTORIA

La definición de la profesión del diseñador gráfico es más bien reciente, en lo que refiere su preparación, su actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal para finales del siglo XIX.
La diversidad de opiniones responde a que algunos consideran como producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica y otros solamente a aquellas que surgen como resultado de la aplicación de un modelo de producción industrial; es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido "proyectadas" contemplando necesidades de diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc.
Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos profesionales: el dibujante o el impresor. El primero estaba formado como artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las mismas escuelas de artes y oficios. Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección de fuentes tipográficas en sus composiciones impresas.

Primeras vanguardias
El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.

El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en una misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del siglo XIX. El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición.

Las escuelas de diseño


Jan Tschichold plasmó los principios de la tipografía moderna en su libro de 1928, New Typography. Más tarde repudió la filosofía que expone en esta obra, calificándola de fascista, pero continuó siendo muy influyente.
Herbert Bayer, que dirigió desde 1925 hasta 1928 el taller de tipografía y publicidad en la Bauhaus, creó las condiciones de una nueva profesión: el diseñador gráfico. Él puso la asignatura de "publicidad” en el programa de enseñanza incluyendo, entre otras cosas, el Análisis de los medios de publicidad y la Psicología de la publicidad.
Es así como Tschichold, Herbert Bayer, László Moholy, y El Lissitzky se convirtieron en los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de producción y en los estilos que se han ido usando posteriormente.

La Hochschule fur Gestaltung  (HfG) de Ulm fue otra institución clave en el desarrollo de la profesión del diseñador gráfico. Desde su fundación, la HfG se distanció de una posible afiliación con la publicidad. Al comienzo, el departamento en cuestión se denominó Diseño Visual, pero rápidamente quedó claro que su objetivo actual era resolver problemas de diseño en el área de la comunicación de masas
Desempeño laboral y habilidades.
La capacidad de diseñar no es innata, sino que se adquiere mediante la práctica y la reflexión. Aun así, sigue siendo una facultad, una cosa en potencia. Para explotar esa potencia es necesaria la educación permanente y la práctica, ya que es muy difícil adquirirla por la intuición. La creatividad, la innovación y el pensamiento lateral son habilidades clave para el desempeño laboral del diseñador gráfico. La creatividad en el diseño existe dentro de marcos de referencias establecidos, pero más que nada, es una habilidad cultivable, para encontrar soluciones insospechadas para problemas aparentemente insolubles. Esto se traduce en trabajos de diseño de altísimo nivel y calidad.
Universidad-Monterrey
Universidad-México
Escuelas monterrey









ensayo perspectiva


                         
Universidad Alfonso Reyes

Perspectiva

Lic. Elena García Gómez

F3072

Lucero Alejandra Martínez Hernández
                  22 de junio del 2012




PERSPECTIVA

Es el arte para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos  En un dibujo la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.
Es también la ilusión visual que, percibida por el observador, ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias.
Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su perspección o en su juicio.
También puede describirse como la Técnica de representar en una superficie plana, como un papel o un lienzo, la tercera dimensión de los objetos, dando sensación de profundidad y volumen.
En las primeras formas de representación artística, como en las pinturas rupestres, a veces, solo se observa un cierto tipo de “perspectiva” simbólica.
Estas ayudas para realizar dibujos a mano alzada son de utilidad; pueden ser sencillas y mecánicas, pero también las hay más complejas.


Medición a ojo con el lápiz
Un método sencillo para calcular y comparar proporciones, sobre todo distancias verticales y horizontales, consiste en usar un lápiz como regla. Seleccionamos el objeto que queremos usar como parámetro para nuestro dibujo y luego tomamos un lápiz con la punta para arriba, sin olvidarnos de sostener el brazo bien estirado. Alineamos la punta del lápiz con la parte superior del objeto y el dedo con la parte inferior. Esta medición nos permitirá calcular proporcionalmente los otros objetos.

Perspectiva isométrica: es una forma de proyección gráfica o, más específicamente, una axonométrica cilíndrica ortogonal. Constituye una representación de un objeto tridimensional en dos dimensiones, en la que los tres ejes de referencia tienen ángulos de 120º, y las dimensiones guardan la misma escala sobre cada uno de ellos. La isometría es una de las formas de proyección utilizadas en dibujo técnico que tiene la ventaja de permitir la representación a escala, y la desventaja de no reflejar la disminución aparente de tamaño -proporcional a la distancia- que percibe el ojo humano.

Hay artistas que en la pintura y en el dibujo logran hacer este efecto de lejanía de los objetos. Para ello, utilizan diferentes tipos de líneas:

Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano, nunca se encontrarán.
Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto.
Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse en un punto.
Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones.

El punto es un elemento importante dentro de la perspectiva porque las líneas pueden partir de un punto a otro.
Para lograr la perspectiva se mezclan los diferentes tipos de líneas y el punto, aunado al cambio en el tamaño de los objetos.
Algunos tipos de perspectiva son: perspectiva lineal, perspectiva aérea, perspectiva invertida,  perspectiva de importancia y perspectiva axonométrica. 
La perspectiva lineal consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad.

La perspectiva aérea, perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, lo que da una impresión muy real de la distancia.
Perspectiva paralela
Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente; lo más simple de representar en perspectiva paralela es, por ejemplo, un cubo.

Perspectiva oblicua
Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte 

En la perspectiva invertida el punto de fuga está situado adelante, al exterior del cuadro.
La perspectiva de importancia es un método de representación que permite resaltar a un personaje con relación a otros sobre el mismo icono. Es decir, el tamaño de los personajes determina su importancia jerárquica entre los presentes en un mismo ícono.


El punto o los puntos de fuga
Se hallan siempre situados en la línea del horizonte, en un dibujo se pueden emplear uno o mas puntos de fuga, según como sea la perspectiva: perspectiva paralela, con un solo punto de fuga, perspectiva oblicua con dos puntos de fuga y perspectiva aérea con tres puntos de fuga.
Punto de fuga de Diagonales
En este punto de fuga adicional que se emplea para representar espacios y formas iguales que fugan al horizonte, como por ejemplo los palos de un tendido eléctrico, las columnas de un claustro, las baldosas de una sala.
La perspectiva es un invento relativamente reciente, el cual se debe a Filippo de Brunelleschi, que proyectando la construcción de la cúpula de la Catedral de Florencia, estando estudiando los planos de planta y de perfil, se le ocurrió que con la intersección de las líneas paralelas de ambos dibujos se podría conseguir un perfecto alzado del edificio, con lo que se colocaron al mismo tiempo la vista de planta, la de perfil y la alzada, Cuando Brunelleschi conoció a Massacio, le hizo participe de sus conocimientos en perspectiva, que a partir de aquí muchos pintores utilizaron y fueron estudiosos perfeccionando el genial descubrimiento.
La perspectiva de las sombras con luz natural
La luz que se propaga en sentido radial, aunque la luz natural, debido a la enorme distancia del sol y la diferencia tan enorme de tamaño, anula, prácticamente, esta ley universal.
La composición
Para conseguir que un cuadro resulte atractivo es necesario que haya una composición.
Elementos a tener en cuenta en la composición o la representación subjetiva del volumen y el espacio.
-El equilibrio, la sensación áurea, el ritmo modular, la luz y el color, la planificación, la simetría o Asimetría, contraste, la Ley de la balanza, la ley de la compensación de masas
Universidad-Monterrey
Universidad-México










ensayo Diseño y creatividad


Universidad Alfonso Reyes

Diseño y Creatividad

Felipe Ramos

F3072

Lucero Alejandra Martínez Hernández
                  22 de junio del 2012


FUNDAMENTOS DEL DISEÑO

La función del diseñador es, transmitir una idea, un concepto o una imagen de la forma más eficaz posible. Para ello, el diseñador debe contar con una serie de herramientas como, la información necesaria de lo que se va a transmitir, los elementos gráficos adecuados , su imaginación y todo aquello que pueda servir para su comunicación. Nuestro diseño debe constituir un todo, donde cada uno de los elementos gráficos que utilicemos posean una función específica, sin interferir en importancia y protagonismo a los elementos restantes.
Un buen diseñador debe comunicar las ideas y conceptos de una forma clara y directa, por medio de los elementos gráficos. Por tanto, la eficacia de la comunicación del mensaje visual que elabora el diseñador, dependerá de la elección de los elementos que utilice y del conocimiento que tenga de ellos.
Los diseñadores pueden manipular los elementos siempre que tengan conocimiento de ellos y de lo que en sí representan, ya que en el ámbito del diseño es muy importante el factor psicológico para conseguir el propósito que se busca: Informar y Persuadir.

Elementos básicos
El punto:
Es la unidad mínima de comunicación visual, el elemento gráfico fundamental y por tanto el más importante y puede intensificar su valor por medio del color, el tamaño y la posición en el plano. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico, puede constituir el centro de atención.
Características del punto:
·         - Tiene un gran poder de atracción cuando se encuentra solo.
·         - Puede producir sensación de tensión cuando se añade otro punto y construyen un vector direccional.
·         - Da lugar a la creación de otros conceptos como el color cuando aparecen varios puntos en el mismo campo visual.


La línea:
Sirve para conectar dos puntos en el espacio. Podemos definirla como la unión o aproximación de varios puntos. Casi siempre genera dinamismo y definen direccionalmente la composición en la que la insertemos.
Es un elemento indispensable en el espacio gráfico, tanto para la materialización y representación de ideas, como para la notación. Tiene, en el grafismo, la misma importancia que la letra en el texto. Los elementos de la línea que con mayor facilidad podemos analizar y percibir son: el espesor, la longitud, la dirección con respecto a la página, la forma, el color y la cantidad.

El contorno:
Hablamos de contorno cuando el trazo de línea se une en un mismo punto. En la terminología de las artes visuales se dice que la línea articula la complejidad del contorno. Cuando la línea cierra un determinado espacio se crea una tensión entre el espacio y sus límites y es entonces cuando la línea tiene un gran poder de atracción. La característica principal del contorno es que son estáticos o dinámicos dependiendo del uso que se les dé o de las diferentes direcciones que éste adopte.

El círculo: Es una figura continuamente curvada cuyo perímetro equidista en todos sus puntos del centro.

El cuadrado: Es una figura de cuatro lados con ángulos rectos exactamente iguales en sus esquinas y lados que tienen exactamente la misma longitud.
3El triángulo: Equilátero es una figura de tres lados cuyos ángulos y lados son todos iguales. 

Teoría del Color
El color en sí no existe, no es una característica del objeto, es más bien una apreciación subjetiva nuestra. Por tanto, podemos definirlo como, una sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.
El color es pues un hecho de la visión que resulta de las diferencias de percepciones del ojo a distintas longitudes de onda que componen lo que se denomina el "espectro" de luz blanca reflejada en una hoja de papel.
Este fenómeno fue descubierto en 1666 por Isaac Newton, que observó que cuando un haz de luz blanca traspasaba un prisma de cristal, dicho haz se dividía en un espectro de colores idéntico al del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul, añil y violeta.



Circulo Cromático
El círculo cromático se usa en la clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz.
Los colores en un círculo cromático son seis: amarillo, rojo, anaranjado, violeta, azul y verde.
La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.
El blanco y negro son llamados colores acromáticos, ya que los percibimos como "no colores".

Contraste y armonía
se define como la diferencia relativa en intensidad entre un punto de una imagen y sus alrededores.
Armonizar, significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición. Cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes.

En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación.
La composición se define como una distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada.

En un diseño, lo primero que se debe elegir son todos los elementos que aparecerán en él, luego debemos distribuirlos para colocarlos con el espacio disponible. Los elementos pueden ser tanto imágenes, como espacios en blanco, etc. Es muy importante tener en cuenta de que forma situaremos estos elementos en nuestra composición, para que tengan un equilibrio formal y un peso igualado.
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