Diseño y creatividad

Universidad Alfonso Reyes

Lic. Diseño Grafico

Historia del Arte

Lucero Alejandra Martínez Hernández

Leonardo Da Vinci

Leonardo di ser Piero da Vinci fue un pintor italiano nativo de Florencia. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.

Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes y a veces desastrosos experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.

Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

Sus primeros bocetos eran de tal calidad que tan pronto como su padre los mostró al pintor Andrea del Verrocchio, éste tomó al joven de catorce años como aprendiz en su taller, ya frecuentado por futuros artistas de la talla de Botticelli, Ghirlandaio, Perugino y Lorenzo di Credi. Así lo dice Vasari, referido al año 1462; no obstante, el ingreso de Leonardo en el taller de Verocchio fue posterior, encontrándosele como aprendiz en ese taller en 1469 ó 1470.

Uno de los debates más interesantes, y que se ha abordado con más seriedad, de los últimos años sobre la autenticidad o no de una obra considerada del taller de Leonardo es el que estudia las dos supuestas versiones más fidedignas del original -presuntamente perdido- óleo de Leonardo representando a la Madonna dei fusi , es decir, la Virgen de los husos (o Virgen del Aspa) Uno de ellos en la colección del Drumlanrig Castle (Escocia) famosa por haber sido robada recientemente, y otra, de altísima calidad, de la colección Reford de Montreal, y recientemente adquirida por un coleccionista americano (existen rumores de que el precio superó los 150 millones de dólares, lo cual resulta realmente difícil de creer.)

LAS MIL Y UN GIOCONDAS

Si hay algo más impactante que publicar la autentificación de un nuevo Leonardo es publicar la autentificación de una nueva versión de El Leonardo, esto es, la Gioconda o Monna Lisa. A lo largo de las décadas, decenas de visionarios que se hacen llamar críticos han sugerido, en muchos casos con bombo y platillo, la existencia de otra Gioconda, ya sea suponiendo una segunda versión o negando la celebérrima del Louvre. Lo cual no deja de resultar ridículo, porque la dama parisina añade a su incontestable e inconfundible calidad una amplia documentación histórica, desde que fue adquirida por Napoleón I e incluso antes, que no dejan lugar a dudas sobre su autenticidad.

OBRAS INDISCUTIBLES DEL MAESTRO

"Retrato de dama (Ginevra Benci)"

"San Jerónimo"

"La adoración de los magos"

"La Virgen de las rocas"

"La Virgen de las rocas"

"Cabeza de muchacha (mujer despeinada)"

"La última cena"

"Santa Ana, la Virgen , el niño y San Juan"

"Retrato de Isabel d'Este"

"Retrato de dama (la Gioconda , la Monna Lisa)"

"Santa Ana, la Virgen y el niño con el cordero"

"San Juan Bautista"

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Impresionismo, dadaísmo y cubismo

Universidad Alfonso Reyes

Lic. Diseño Grafico

Historia del Arte

Lucero Alejandra Martínez Hernández

Lic. Jorge Chávez

Impresionismo

Aunque el termino Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquella que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa, principalmente en Francia, caracterizado a grandes rasgos por el intento de plasmar la luz y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de la luz, mas allá de las formas que subyacen bajo este.

El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente  del postimpresionismo y las vanguardias.

Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado por el electicismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o , si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.

Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.

Dadaismo

El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zurich Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.

Para los miembros del dadaísmo, este era un modus viviendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.

El dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo por humanismo toda la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.

Cubismo

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada “perspectiva múltiple”: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.

La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas.

A pesas de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eras del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

El cubismo tuvo como centro neurálgico la cuidad de Paris, u como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente de inicia con el cuadro ¡Las señoritas de Avignon” de Plablo Picasso

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Profundidad de campo

Universidad Alfonso Reyes

Lic. Diseño Grafico

Fotografía

Lucero Alejandra Martínez Hernández

Lic. Daniel Reyes

Profundidad de Campo

La profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía es particular, la zona en la cual la imagen captada por el objeto es nítida, es decir enfocada, de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Una definición mas completa y exacta seria: la profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado. Comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.

Depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal y el numero F y la distancia de enfoque.

La profundidad de campo sólo existe en el contexto de una reproducción. No es una propiedad intrínseca de un lente y depende de valores de apreciación subjetivos.

La frase “aceptablemente nítida” se refiere a la zona que rodea el plano de la imagen que está en foco. Todos los puntos en una fotografía están fuera de foco en cierta medida, solo un plano está perfectamente enfocado. Los límites de la profundidad de campo son precisamente donde la falta de nitidez se vuelve inaceptable para el observador.

La profundidad de campo no es una zona en la que la fotografía está enfocada perfectamente sino la zona de la fotografía donde el foco es lo suficientemente cercano al plano nítido como para ser aceptable. La profundidad de campo no dicta tampoco que tan borrosos estarán los planos alejados del plano nítido, una confusión común.

La profundidad de campo aumenta en relación inversa a la apertura, es decir, cuanto más cerrado se encuentra el diafragma a lo que es lo mismo, cuanto mayor sea el número f elegido.

Por otra parte, cuanto más cerca se encuentre el motivo que se desea fotografiar, menor será la profundidad de campo, independientemente del diafragma seleccionado. Si se utilizan teleobjetos también se reduce la profundidad de campo. Pero con objetivos angulares, la profundidad de campo aumenta.

Los elementos que afectan la profundidad de campo.

La profundidad de campo es un recurso de composición fotográfica excelente, ya que influye de forma decisiva en la atención que mostramos a la hora de contemplar una fotografía.

Inconscientemente, dirigimos nuestros ojos a aquellas zonas de la imagen que se encuentran más enfocadas frente a aquellas otras que no lo están. Esto convierte la profundidad de campo en un arma infalible que juega a nuestro favor a la hora de hacer fotos y dirigir la atención donde creemos que está en centro de atención de nuestra foto, reforzando el mensaje que queremos transmitir con nuestra fotografía.

Existe un parámetro que determina la mayor o menor profundidad de campo conseguida en nuestras fotos y es la distancia a la que estamos del elemento que estamos fotografiando y en el que fijamos el foco en nuestra foto. La profundidad del campo, siempre aumenta cerrando el diafragma. Según algunos manuales de fotografía, se precisa que, con una abertura media del diafragma (normalmente de 8 y 11 en las cámaras analógicas), se obtienen las fotos más nítidas. Esto no quiere decir que esta regla pueda aplicarse a los objetivos más pequeños de las cámaras digitales.

Otra regla teniendo en cuenta la profundidad del campo, antes de realizar una fotografía, deberá centrarse donde se indica la zona de nitidez del sujeto.

La profundidad de campo varía con el tamaño de la abertura del lente, la distancia entre la cámara y el sujeto y la distancia focal del lente. La profundidad de campo es mayor a medida que:

1- El tamaño de la abertura del lente decrece.

2- La distancia al sujeto aumenta.

3- La distancia focal del lente decrece.

El diafragma: Está compuesto por unas pequeñas laminillas metálicas, imbricadas entre sí en el interior del objetivo. Estas, forman un orificio regular que determina el diámetro del haz luminoso y por tanto la intensidad de luz que tendrá el plano focal.

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Las nuevas tendencias del Diseño Grafico en el Siglo XXI

Universidad Alfonso Reyes

Lic. Diseño Grafico

Historia del Diseño Grafico

Lucero Alejandra Martínez Hernández

Lic. Mario Ramírez

Las Nuevas Tendencias del Diseño Grafico en el siglo XXI

Tendencia Europea

La manera de trabajar de los creativos europeos es muy sobria. Para ellos no es tan importante la cantidad de la información sino más bien la calidad de esta. Y tienen razón porque la sociedad del nuevo milenio no lee, evita textos largos y lo que les llama la atención son las imágenes bien elaboradas.

Algunas características de esta tendencia son: los anuncios sencillos en forma pero inteligentes en concepto, utilización de una fotografía que generalmente va sangrada por los 4 lados, muy poco texto preferiblemente un titular, en caso de existir direcciones, teléfonos, etc. Se colocan en forma de pata, comerciales sin información sobre servicios o características de la marca, mucha exigencia en el concepto porque debe ser impaciente y diferente.

El objetivo de esta tendencia es llegar a las personas que no les gusta leer dando un gran impacto visual, con un diseño sencillo, una fotografía y un titular. Como son tan pocos elementos gráficos, el concepto debe ser sobresaliente, existiendo una gran relación entre imagen y texto, el cual debe sensibilizar al espectador luego de haber sido impactado por la imagen. El concepto debe ser innovador pero a la vez tan claro que debe traspasar las barreras culturales y las barreras del idioma porque la imagen debe reflejar por sí sola la idea, convirtiendo al texto en un elemento de apoyo.

Tendencia Label

Este movimiento Europeo ha causado mucho impacto en el medio publicitario, y es así como a partir de él han nacido otros estilos innovadores, dentro de los cuales se encuentra Label.

Características: Una foto sangrada, preferiblemente por los 4 lados, con muy poco texto, tiene como detalle novedoso un punto focal dentro del anuncio deberá estar diseñado en forma de etiqueta (label) y donde cada creativo utilizará la forma adecuada según el concepto: recortes de prensa, pizarrones, memos, carpetas, calendarios, etc.

Esta tendencia busca concentrar la vista del espectador en un punto focal, que precisamente es la etiqueta, en donde debe estar la parte más importante del anuncio que por lo general es el mensaje. Lo más común es que en esta etiqueta se encuentre un texto corto pero impactante y que invite a seguir observando el resto del anuncio.

Movimiento revolución digital. (2002)

Originalmente, es un movimiento generado por el atrevimiento de algunos artistas que, influenciados por el “Tecno-impresionismo” de finales del siglo XX y, utilizando efectos digitales a través de un computador y vendiendo sus obras por internet, impulsan el crecimiento de un nuevo movimiento que toma como influencia grandes escuelas del siglo XX, como es el caso del Art Nouveau y el Pop Art.

Las tendencias Pop Y2K toma lo más light del Pop Art y lo digitaliza, bien sea de forma vectorial o con efectos en mapas de bits, para llevarle a la sociedad una forma novedosa de diseño. Colores planos y brillantes, ídolos con apariencia vectorial, ilustraciones con buena estética y la utilización del círculo como elemento principal del diseño.

Tendencia Target

Hoy en día, los creativos tienen una labor muy difícil, y es la de seducir a los espectadores mediante ideas innovadoras. Es una tarea bien compleja porque, si tomamos en cuenta que la publicidad es un medio de comunicación que informa características y ventajas de una marca. Debido que a la sociedad de hoy en día no lee, la creatividad de hoy se ha tenido que revitalizar con nuevos conceptos, nuevas ideas y nuevos diseños.

La tendencia target es una ramificación del movimiento Europeo, donde hay más bien poco diseño, con imágenes que van sangradas por los cuatro lados de la pieza publicitaria, y que son espectacularmente desarrolladas, producidas y manipuladas desde Photoshop.

Tendencia Line Design.

La idea es que el espectador se vea directamente identificado con el diseño pensando que el dibujo a mano alzada de la pieza gráfica es parecido a los dibujos que él o sus hijos hacen cuando dibujan.

Son anuncios que tienen dibujos sencillos, donde sólo se diseña la línea del objeto, cosa o persona que se dibuja, la línea debe dar la sensación de crayón, tiza, marcador ó lápiz, La línea también puede dar la sensación de tecnología al mostrar un dibujo digital perfecto, pero sin salirse de su esencia que es el dibujo a través de líneas, estos dibujos a pesar de dar la sensación de ser dibujados a mano alzada por cualquier persona, en realidad son dibujados digitalmente en cualquier programa vectorial o de mapa de bits.

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La importancia del photoshop y reconstruccion en el diseño Gráfico

Universidad Alfonso Reyes

Lic. Diseño Grafico

Computación III

Lucero Alejandra Martínez Hernández

Lic. Jorge Alberto Chávez Gómez

La importancia del Photoshop y reconstrucción en el Diseño Gráfico.

Hoy en día tener conocimientos de diseño gráfico y de todo lo que le rodean es igual a tener conocimientos de edición y retoque fotográfico, y la mejor plataforma para su aprendizaje y desarrollo es Photoshop, ya que nos ofrece cantidad de herramientas y posibilidades para, a través de un mapa de bits, elaborar y manipular cualquier imagen con su conocido sistema de capas.

La importancia de tener conocimientos sobre Photoshop, reside en la facilidad de crear por ti mismo la idea de lo que quieres, y de poder detallar en caso de hacer un encargo, con más precisión lo que necesitas.

Esta herramienta, ha permitido un crecimiento importante de la parte fotográfica del diseño gráfico ya que permite mejorar el realismo de una imagen, obtener imágenes en 3D, conseguir logrados efectos de pinturas, y eliminar e incorporar elementos en una imagen de forma muy precisa.

Hoy en día todo es posible. El realismo alcanzado por estas plataformas hace unos años era inimaginable. Para el diseño de una web y gran parte de su contenido es necesario acompañar su formación de trabajos, como los que ofrece Photoshop, que aunque famoso y necesario, no es fácil.

Tener un control básico sobre Photoshop requiere mucho tiempo, no solo de uso, sino de investigación. Tiene tantas cosas que un dominio completo y avanzado puede llevar años, de ahí la importancia que se le da a una persona dentro de este mundo con los conocimientos altos de Photoshop y retoque fotográfico.

Photoshop no solo es conocido por sus usos buenos, también lo es por los malos, en intentos de engaños, estafas o en retoques ridículos realizados por gente con falta de conocimientos que ha dejado a la vista su uso, y por lo tanto, ha recibido mala fama. Pero el Photoshop esta muy cerca de ser la herramienta perfecta.

Reconstrucción

La reconstrucción es un proceso que nos permite recuperar una parte deteriorada o que tiene algún objeto que la oculta, con el objetivo de mejorar su calidad.

El paso del tiempo y condiciones defectuosas de conservación terminan produciendo daños en las fotografías antiguas que más apreciamos: arañazos, rasgaduras, manchas, decoloración, desvanecimiento, etc.

Dependiendo del estado original y la gravedad de los daños, la restauración intenta devolver a estas fotografías la apariencia original que en su día tuvieron.

Retocar fotografías es tan antiguo como la misma fotografía. Su objetivo es realzar y mejorar el aspecto de la persona retratada. El retoque corrige el color, el tono y el contraste, suaviza sombras y arrugas, elimina pequeñas manchas y defectos en la piel, realza los ojos, modela contornos y suprime cualquier elemento de distracción.

Antes de tener Photoshop a nuestro alcance, cuando queríamos quitar un elemento de una fotografía, teníamos que hacer mil inventos para tapar el hueco que quedaba intentando que no se notara, bien clonando parte de la imagen o dibujando de nuevo lo que nosotros imaginábamos que iba ahí.

Cualquier fotografía dañada con manches, polvo, ralladuras, partes faltantes, decoloraciones, etc. Puede ser restaurada en su totalidad con las herramientas de Adobe Photoshop.

También se puede colorear una fotografía en blanco y negro, eliminar la textura del papel y el muaré (trama de color), corregir el color, quitar los ojos rojos causados por el flash de la cámara, técnicas avanzadas de enfoque y recuperación de imágenes sobreexpuestas (muy claras).

Cuando se a dañado la fotografía o bien ha sido una mala toma, primero que nada debemos ajustar las curvas para obtener un buen contraste en la foto y así empezar nuestra reparación, copiando así la misma tonalidad en toda la foto donde hay manchas o rupturas, siguiendo paso a paso podremos obtener la fotografía como nueva.

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